martes, 19 de agosto de 2014

Crítica: At The Devil´s Door

Descubrí el número de la bestia gracias a cierta intro, de cierto tema, de cierto disco, de cierta banda de heavy metal venida de tierras inglesas que terminaría forjándose en leyenda. Pues de la misma forma que aquel glorioso “The Number of the Beast” de la doncella de hierro de 1982, se abre esta “At The Devil´s Door” del amigo Nicholas McCarthy, quien ya nos trajese hace un par de años otra experiencia fantasmagórica: “The Pact” y una vez catada, digerida y ya prácticamente excretada, decir que mr.McCarthy, lejos de no volver a andar por los pantanosos terrenos de aquella, se ha hundido hasta las trancas. 

Dicen que el hombre es el único animal que vuelve a tropezar en la misma piedra. Pues nada más cierto si nos ceñimos al caso que nos ocupa y es que “At the Devil´s Door”, vuelve a repetir cual calco, las miserias que hicieron de “The Pact” (esperemos que la secuela que preparan para este mismo año el tándem Dallas Richard Hallam y Patrick Horvath, sea algo más acertada que su predecesora), una de las sonadas decepciones de su temporada, convirtiendo lo que prometía como una aterradora cinta de terror sobrenatural independiente, en una experiencia poco menos que letárgica a ojos del espectador, siempre en el supuesto, que éste consiguiera mantenerlos abiertos el tiempo suficiente. 

En esencia, lo que ofrece “At the Devil´s Door”, es el mismo perro con el mismo collar que “The Pact”, en aquella ocasión, referente al mundo de los espíritus, en esta, al de las posesiones demoníacas. Queda muy claro pues, después de analizar ambas obras, cuales son las señas de identidad cinematográficas de su director. La principal, en mi opinión, dar una visión introspectiva del género de terror, a base de mescolanza con el melodrama, lo cual, queda bastante patente tras dos asaltos, que no termina de conjugarse de la forma esperada, pues en ese intento cuasi enfermizo por dotar de dramatismo a la función y de crear un interminable abismo de sentimientos dentro de cada uno de los personajes, cual dibujante que repasa una y otra vez con el lápiz, los contornos de su obra hasta llegar a rasgar el papel, se desatiende lo más importe en el proceso: la historia. 

La nueva cinta de McCarthy, vuelve una vez más a hacer hincapié en las herramientas, en sacrificio de la pieza a construir. Cuesta horrores avanzar cuando el lodo te llega a las rodillas y eso es lo que transmite el cine de este señor, una absoluta incapacidad de indagar en el relato y de hacer que la historia se desarrolle de forma natural y fluida, con el consiguiente efecto en el espectador, quien asiste de forma anodina al lento desoje de una margarita que, cual mito griego, vuelve a sentir el picotazo en sus entrañas una y otra vez, cuando el último de sus pétalos se precipita hacia el abismo. Una sensación de bucle, que te agarra por la garganta y no te suelta hasta el último minuto de metraje. 

Dicho estreñimiento del esófago, combinado con una alarmante incapacidad por manejar algo tan fundamental en una película como es el ritmo, consiguen sumergir al espectador en formol dentro de un tarro de cristal, a través del cual, intentar vislumbrar donde termina el camino y si finalmente, nos lleva a alguna parte, en este caso (mismo destino hayamos en “The Pact”), a un abrupto e incoherente giro argumental de claras reminiscencias al clásico de Richard Donner que poco o nada tiene que ver con todo lo leído en páginas anteriores, por mucho que estemos hablando de los minutos más digeribles del filme. 

Cierto es que en medio de este viaje en slow motion hacia ninguna parte, hay algunas cosas a rescatar, sobre todo en lo que hace referencia al apartado técnico, pues es cierto que la cinta hace gala de cierta elegancia en su cinematografía, con algunos planos realmente acertados si los contextualizamos con la naturaleza introspectiva e intimista de la obra, de la misma forma que no es menos cierto que el trío femenino protagonista, pese a las miserias de un destino que, disfrazado bajo los ropajes de críptico guión les depara la peor de las suertes, rayan, a nivel interpretativo, a muy buen nivel. 

En definitiva, una nueva experiencia soporífera de manos de este Morféo moderno que es Nicholas McCarthy que volverá a exasperar a todos aquellos que ya quisieron en su momento, con “The Pact”, atarse una pesada losa al cuello y saltar al río para finiquitar la lenta agonía de una historia incapaz de florecer por más que clavasen sus miradas fijas en el capullo cual ojo de Sauron. Carente de punch a la hora de generar tensión pese al buen uso de la cámara en determinados pasajes y más pendiente de flirtear con lo dramático, que con lo terrorífico, algo imperdonable, tratándose de un filme que versa sobre lo que versa, “At the Devil´s Door” se pierde en los divagantes recovecos de su oscuro metraje, en lo que termina siendo un fallido intento por mostrar el cine de posesiones desde una óptica diferente. 

Lo mejor: El loable intento por darle una vuelta de tuerca al cine de posesiones y su buena factura técnica.

Lo peor: La falta de ritmo y lo mal desarrollada que está la trama, excesivamente condicionada por su vertiente dramática.


miércoles, 13 de agosto de 2014

Crítica: They Live

Crisis. En estos días vivimos con la palabra crisis en la boca todo el rato, escuchamos la palabra crisis en cada frase: crisis económica, crisis existencial, crisis creativa, crisis sobre crisis, y después más crisis. ¿La culpa? ¿La inevitabilidad? ¿La solución? ¿La denuncia?. Hermanos cuervos, siento deciros que estamos cara a cara con la crisis más voraz a la que probablemente jamás nos enfrentemos, y vemos cómo nos escupe a la cara una y otra vez, y aquí viene lo mejor, no hacemos nada. 

Como medio de defensa utilizamos la normalización, la costumbre. Intentamos pasar el trago soportando estoicamente las intrigas políticas, los vergonzosos y deleznables tráficos de influencias , los robos de nuestros dirigentes, los recortes que se hacen con cuchillo de cazador a la clase obrera y sobre todo, la incompetencia y la inmundicia que nos gobierna como si fuéramos ganado. Esa es nuestra defensa, el aguante, y lo hacemos porque si no has tenido la suerte de haber nacido con una estrellita en tus hermosas posaderas ,o unos papis que subvencionen todos tus pasos, en cuyo caso perseguir los sueños es algo muy fácil, tu destino es trabajar en algo que detestas (con la mejor de las suertes), para poder vivir entre los sueños que habitan en tu cabeza una vez que sales del trabajo. Y si quieres vivir y no sobrevivir, necesitas esos sueños como el aire que respiras, de ahí que normalicemos lo que no nos gusta, para deleitarnos con lo que queremos que sea realmente la realidad de nuestras vidas. 

Hoy vengo a abriros los ojos, porque estamos dormidos, porque no somos capaces de ver lo que sí fue capaz de ver Ray Nelson en 1963 en su historia corta " Eight o´clock in the morning", y más tarde, John Carpenter, en 1988, cuando nos puso a todos las gafas de ver con "They Live". Amigos, si Carpenter lo mostró, y sabemos que Carpenter pocas veces se equivoca, hay que hacerle caso. Vivimos en un mundo que oculta otro mundo aún más deplorable, donde obedecemos, no pensamos, compramos sin parar, hacemos caso de la autoridad sin cuestionar ni los actos más inverosímiles, no podemos despertar y ver que lo que nos rodea, el capitalismo más salvaje rige nuestra vida y nos ha dejado totalmente ciegos. 

En "They Live" se nos cuenta la historia de John Nada (interpretado por el luchador de Wrestling Roddy Piper) en su lucha por la supervivencia más básica: trabajar para poder comer, tener un techo donde pasar la noche y así empezar un nuevo día. John Nada, no tiene nada (los simbolismos de esta película aguardan en cada esquina), es un nómada hecho a sí mismo, un tipo duro de los de verdad. Y la historia empieza como si nada, con Nada como héroe solitario (de esos que tanto le gustan a Carpenter), empezando de nuevo en cualquier lugar a las afueras de la metrópolis, trabajando a destajo con sus manos por un puñado de dólares, que es el único dios que se conoce. Pese a su autonomía, pronto se junta con Frank (Keith David), en la más extraña amistad que esta mujer dormida que os escribe, haya visto jamás en pantalla. Ambos aparcan sus huesos después del trabajo en Justiceville, un barrio chabolista y totalmente insalubre, donde lo poco que hay se comparte. Obviamente Carpenter, que no da puntada sin hilo, maneja las nomenclaturas como nadie en "They Live", y el simbolismo con un sistema judicial destruído y podrido que ataca a los más desfavorecidos, es perceptible desde las primeras escenas de la película. 

Jonh Nada, que es un revolucionario, sin ser consciente de ello, se ve inmerso en una trama alienígena, que necesariamente tiene que ser descubierta y mostrada al resto de los humanos. Para ello, su mejor arma serán unas gafas de sol atemporales y unisex, que sientan bien a cualquier tipo de cara. Esas son las gafas de la realidad. Las gafas que muestran la verdadera naturaleza de una clase social superior y los mensajes ocultos en cada rincón de la cuidad, así como las indicaciones cifradas en cada objeto cotidiano. 

John, que sabe que el mundo tiene que pagarle todo el daño que le ha hecho, busca la venganza como sea, a la vista de todos. Como os dije, es un tipo duro de verdad, y si para abrir los ojos a su compañero Frank tienen que enzarzarse en la pelea más larga de la historia del cine, pues lo hace, si le tiran por una ventana y aún así confía en quien lo ha hecho, lo hace también, si insulta a la raza alienigena que gobierna el mundo bajo una apariencia de normalidad, cuando todos ellos le están denunciando a través de unos relojes especiales, pues lo hace y se queda tan ancho, que para eso es John Nada y es el que se va a cobrar todas las mentiras en las que ha vivido la raza humana desde la llegada de estos seres extraterrestres. 

Como es de esperar, existe una "resistencia" o facción revolucionaria que conoce las triquiñuelas de los alienigenas y las de sus seguidores, más cuestionables aún que los propios extraterrestres y sus mensajes de sumisión subliminales, ya que lo único que buscan es enriquecerse, por supuesto, a costa del más débil. Como la vida misma, vamos, nada que no escuchemos a diario en cada pase de los telediarios, y ¿qué podemos hacer al respecto si no tenemos las gafas que muestran la realidad? Pues seguir cenando, que al final es lo que hacemos y si se enfría la cena, da mucha rabia. 

John terminará encontrando a esta resistencia o viceversa. El caso es que son ellos los que le dan la pista sobre dónde hay que buscar para desenmascarar a esta odiosa raza que sólo busca el poder y la riqueza.Y ahí tenemos a Nada, que creían que aparte de nada, no era nadie, en una odisea en la que sólo un luchador de Wrestling podría salir airoso. La lucha no cesa, la verdad ha de ser evidenciada, el mundo necesita saber, incluso los que no quieren saber, deben ser obligados a contemplar, y John Carpenter crea una oda, una llamada a la atención, una denuncia de un sistema corrupto en el que no sólo se nos muestra lo que quieren que conozcamos, el resto, lo importante de verdad, se guarda debajo de la alfombra, hasta que venga algún Nada, o alguien que empiece a dar miedito a la clase política, para levantar la alfombra y , de paso, tirar de la manta todo lo que se pueda. 

"They Live" es una obra de ciencia ficción, aunque, en realidad, y teniendo en cuenta las palabras del propio Carpenter es una película de acción. Acción de serie B, donde hay mensaje, violencia, trama y alguna que otra sorpresa. ¿Sus pecados? Que sigue tirando de pinceladas de humor gamberro que, personalmente a mi no me gusta, que dibuja bien unos personajes y se desentiende de otros que también son claves para la película, y que te tiene que gustar el mensaje, o estás perdido ya que a veces se recrea demasiado en los círculos sobre los que camina. 

De los alienigenas, poco se sabe, y poco importa, ¿qué mas de de dónde vengan, o si han salido elegidos por mayoría absoluta? Lo importante es la manipulación, el resto paja con la que rellenar. Su aspecto, que podría haber sido más desagradable de haber contado con mayor presupuesto, lo dejamos en impactante, o al menos inolvidable, y eso ya es suficiente. 

Ahora ya sabéis, despertad!!!. Despertad y contad lo que habéis visto. Mientras tanto, yo sigo cenando.


martes, 12 de agosto de 2014

Crítica: Torture Chamber

Ante todo dar las gracias al sr. Tomaselli por enviarme una copia del DVD con un montón de postales y cosas horror-cuquis en el paquete. Y sin más preámbulos, al ataque: 

Es una cinta depravada llena de simbolismo oscuro y perturbador y que incluso se hace difícil de visualizar en algunos momentos. Debo confesar que la película requiere el 100% de atención por parte del espectador ya que la historia no es lineal, no se cuenta cronológicamente sino que se compone en gran medida de flashbacks y secuencias de sueños, siguiendo bastante el estilo de Dante Tomaselli, su director. Si no le dedicas toda tu concentración, es posible perderse los detalles retorcidos que esta fábula terrible ofrece y no se puede apreciar Torture Chamber en todo su esplendor gore. 

En ella encontramos a Jimmy, un jovenzuelo maltratado y encerrado en una jaula, donde intentan practicarle un exorcismo para sacarle el mal. La historia se tronca cuando el muchacho escapa de una institución y empieza a practicar su hobby favorito: vengarse no dando tregua a ningún mal. Tras la huida, Jimmy se buscará un séquito de seguidores que harán cualquier cosa que a él le plazca y ya sabemos cuál es el deporte que más le gusta, hacer el mal. El deleite con el que estos niños infligen tormento sobre sus víctimas es sádico pero sirve al argumento y tiene sentido como ente global al final de la cinta, más que mostrar tortura por el bien de la tortura. 

Mi única crítica se dirige al retrato que Christie Sanford pinta sobre la madre de Jimmy. Un poco difícil de creer al principio de la cinta pero que va creciendo en tu interior a medida que el metraje transcurre y que acaba gustándote. Carmen LoPorto es Jimmy y el crío da un acojone que no te cuento. Lynn Lowry es Lisa Marino y su historia se cuenta a través de pesadillas y flashbacks terribles. Su personaje se ve profundamente afectado por los tejemanejes de la cinta y lo saca adelante muy bien. Es fácil entender porque Tomaselli la eligió. 

La película parece hacer ligeros homenajes al clásico Carrie pero Tomaselli ha construido una idea original alrededor de su película y la ha envuelto con un guion que nada tiene que ver con lo visto antes. El desprecio del director para con el fanatismo religioso es harto evidente a través de toda la línea temporal de la cinta. Torture Chamber parece trabajar también como fábula de advertencia, aconsejando a los padres religiosos del mundo sobre cómo no arruinar a sus hijos forzando motivaciones secretas y oscuras en ellos contra su voluntad. La película afirma que si intentas adoctrinar a tu hijo con tus valores, a pesar de sus propias protestas, le estás forzando a ir a un rincón oscuro convirtiendo a tu prole en este proceso de llegar al bien en algo profano y malo.

Se dice que la realización cinematográfica de Tomaselli es un proceso catártico: que ve sus guiones como historias atrapadas en él que esperan salir y éste sería un gran ejemplo de ello. El decorado de la cinta es un uso efectivo de un presupuesto bajo. Un castillo abandonado y que da miedo. Querían algo que desprendiera maldad y ahí lo tienen. Torture Chamber consigue algo que no todas las películas pueden: hace una declaración pero a la vez entretiene. Bien por Tomaselli en su triunfo con esta cinta.


Artículo: Entrevista a los responsables de "Presentir"

Queridos amigos del nido, os traigo una entrevista con Jorge y Jesús, director y productor del mediometraje “Presentir”, del que hace poco os traje la crítica. Los términos “amables”, “dedicados”, “preparados” y demás se quedan cortos en la que es una de las entrevistas más sencillas que he realizado. Ambos, amantes del cine de género del que conocen todo, técnica y artísticamente, nos hablan de su primer trabajo en común, de la situación actual para nuevos directores, sus nuevos proyectos e incluso nos recomiendan alguna peli de género a los cuervos. 

Una gozada de personas y una gozada de entrevista. Espero que la disfrutéis. 

Preguntas 

Cómo surgió la idea de vuestra película? 

Conocía a Jesús de Ángeles Caídos, una página de cine de terror y fantástico de la que es webmaster. Ya me había comentado unos años atrás acerca de hacer un corto pero ahí se quedó todo. Unos años más tarde me comentó que había estado en un par de festivales de cortometrajes y venía muy animado. Me dijo: Jorge, ha llegado el momento de hacer un corto. Jesús es así de resolutivo, cuando se pone con algo lo hace a conciencia. A mí esto me inspiraba mucha confianza para empezar a mover la idea. Nos juntamos David, Jesús y yo. Partiendo de una idea que yo ya tenía desde hacía tiempo, aportamos distintas ideas. Después me puse a escribir el guión y creo que logré combinar con acierto y coherencia todas las ideas que habíamos aportado, que no eran pocas. El resultado es una mini historia bastante enfermiza y retorcida. 

Por aquella época yo acaba de terminar el rodaje de un corto nada elaborado con unos amigos comunes con Jorge. Nada que ver con Presentir, simplemente unos amigos, una cámara y ganas de pasarlo bien. Desde hacía tiempo Jorge y yo queríamos hacer algo juntos y era el momento adecuado y así se lo hice saber. Además Jorge, para quien no lo sepa es una autentico cinéfilo, tenía los conocimientos de cine que necesitábamos y junto a su primo David quedamos para planificar. El resto, un bar, unas cañas y las ideas basadas en una vieja historia de Jorge empezaron a surgir solas. A partir de eso, todo el trabajo quedo en manos de Jorge que como se puede ver, cumplió a la perfección con el guion. Yo siempre había querido realizar un cortometraje y Presentir cumplía todo lo que queríamos, siempre digo que Presentir fue un capricho que Jorge, David y yo nos dimos puesto que hicimos lo que siempre habíamos querido hacer sin escatimar en nada, que queríamos maquillajes, pues se iba a hacer, que queríamos efectos digitales, adelante, pretencioso…. Quizás pero gratificante, sin duda.

Como fue la experiencia?

La experiencia fue muy bonita pero supuso muchísimo trabajo. Aparte de escribir el guión, tuvimos unos seis meses de pre producción haciendo los maquillajes, reuniendo cosas básicas de atrezzo necesarias para contar la historia, mirar el equipo que íbamos a necesitar, pedir permisos y etc. David ha estudiado animación pero Jesús y yo teníamos apenas idea sobre hacer un corto, él es informático y yo psicólogo! Lo más problemático fue conseguir un piso vacío en el que poder grabar. Era una casa en la que no se había tirado nada probablemente en hacía más de 40 años, un piso realmente viejo y decrépito. Cuando me pasó Jesús las fotos enseguida le vi posibilidades pero hubo que vaciarlo, limpiarlo, meter muebles, atrezarlo. Todos tuvimos que trabajar muchísimo y muy duro durante días. Fue una pena no poder coincidir más con los actores. Creo que realmente sólo pudimos ensayar dos días con Laura y Enrique. Con Daniel ni siquiera eso. Tuvo que improvisarlo todo prácticamente. Creo que para lo poco que ensayamos se defendieron bastante bien en muchas escenas. Después el rodaje que fue agotador porque sólo disponíamos de presupuesto para alquilar el equipo cuatro días y se trataba casi de un mediometraje. Fue extenuante, con jornadas de hasta 22 horas seguidas sin parar apenas. Encima era agosto y en el piso con todo cerrado para que no se colaran sonidos de la calle en el micro, la gente, los focos… Hubo un momento en que el ambiente estaba enrarecido, creo que había poco oxígeno. Recuerdo a Jesús tirado en el suelo con la mesa de mezclas encima y con cara de agotamiento extremo. El rodaje también fue muy chulo a pesar de duro, recuerdo muchísimas anécdotas graciosas, por ejemplo, el tercer día de rodaje estábamos desmaquillando a Dani después de las escenas de la bañera con todo el maquillaje y las prótesis. Para simular sangre habíamos utilizado café y estaba muy preocupado porque al día siguiente se tenía que ir a una boda en Asturias y no quería estar apestando a café. Eran las cinco de la mañana, yo estaba agotado y Eva, una de las maquilladoras y Mario me estaban ayudando a retirar todo el maquillaje que le cubría la mayor parte del cuerpo. Recuerdo que comenté: pues no parece que huela a café, no? A lo que Mario respondió con desparpajo: entonces por qué me apetecen unos churros? Y llorábamos de la risa a pesar del cansancio acumulado. Luego tuvimos unos meses también muy intensos de postproducción, montando, sonorizando, poniendo efectos digitales, etc. 

La experiencia fue increíble, no cambiaría nada de ella, trabajar con este equipo de gente, sobre algo creado de cero por nosotros, ilusión, ganas, implicación, lo tuvo todo. Creo que lo que más valoro de esta experiencia es el hecho de que todo lo que hay en Presentir fue creado por nosotros: historia, maquillajes, efectos, música, los muebles de la casa y su atrezzo, la ouija y eso creo que tiene mucho valor.Algo que valoro mucho de esta experiencia es todo el trabajo y colaboraciones desinteresadas de todos los miembros del equipo y amigos y familiares sin los cuales nunca podríamos haber realizado Presentir. 

Como resultó trabajar con profesionales del sector? 

Pues realmente interesante y una gran suerte. Aprendimos muchísimo. Ver trabajar a Mario Ville, de Kattaca fue una pasada. Con los pocos elementos con los que contábamos fue capaz de sacarle a todo muchísimo partido. La Ouija que aparece en el corto la hizo él mismo sobre la marcha de forma totalmente artesanal con cosas que encontró en el piso. No paraba de currar, era incansable el tio, cada vez que te le encontrabas estaba haciendo algo diferente… También fue muy bonito grabar la música en estudio con Néstor y Arminda. Son una pareja de amigos de Las Palmas y vinieron a Madrid expresamente a grabar la música que previamente habían compuesto sobre un montaje en bruto del corto. Fue un auténtico lujo también poder contar con ellos y lo hicieron con muchísimo cariño y esmero. Realmente en general la gente que se implicó lo hizo de forma totalmente desinteresada y a pesar de que fue duro por todo el trabajo que implicó, lo recuerdo como una experiencia muy bonita trabajar con todo el equipo. 

Impresionante, tan impresionante como trabajar con el resto del equipo que no eran profesionales pero se dejaron todo para hacer de Presentir lo que es, una obra hecha con cariño y dedicación. Mario Ville es un crack en lo que hace, Presentir creció mucho con cada una de sus aportaciones, se podría decir sin miedo a equivocarnos que sin él, Presentir nunca hubiera existido, solvento todos los problemas de rodaje con un ingenio que ya hubiéramos querido tener cualquiera. Lo de Nestor y Arminda es para no dejar de agradecerlo jamás. ¿Cómo una gente con ese talento puede trabajar de forma tan desinteresada, con tanto cariño y encima agradeciéndonos dejarles participar? Creo que tampoco exagero cuando digo que la música de Nestor y Arminda hace subir mucho la calidad final del cortometraje. Ojalá si realizamos otro cortometraje pudiéramos contar con ellos. No puedo evitar contar algo que me llegó mucho: grabamos la música tal que un sábado por la mañana en el estudio, la noche del viernes anterior estos musicazos vinieron a mi casa con un violín, un teclado y un metrónomo y nos tocaron toda la música en directo con un premontaje puesto en la televisión (se me ponen los pelos de punta de recordarlo, fue impresionante). Cuando termina su interpretación nos dicen que si algo no nos había gustado tenían toda esa noche para trabajar los cambios y así poder grabarlo al día siguiente. Mi frase fue la siguiente: “no toquéis nada y si algo del corto no os ha gustado a vosotros lo hacemos de nuevo para estar a la altura de vuestra música”. Lo de Gremio fue fácil, Miguel su bajista es amigo mío y Presentir es una canción que siempre me gustó mucho y creo que como tema principal del cortometraje queda que ni pintado. 

El maquillaje es poco menos que propio de una peli de alto presupuesto. Cual es tu formación? Fue muy complicado? 

Pues mi formación es totalmente autodidacta. Empecé haciendo maquillajes chorras con latex y sangre artificial de pequeño y de adolescente. Cuando surgió hacer Presentir tenía muchas hagas de volver a hacer algo en este sentido porque llevaba casi 15 años sin tocar el maquillaje. Es una pena pero los materiales son muy caros, hay que invertir mucho tiempo, es algo totalmente artesanal y se pone todo perdido. En una casa normal es un poco caótico trabajar con escayola dental, alginato, espuma de poliuretano,… Fue arduo también pero disfruté como un enano. Hubo que sacar moldes de la cara y de la muñeca de Dani y un molde enorme del pecho de Jesús, después modelar las prótesis en plastelina especial, hacer moldes de dos piezas e inyectar el poliuretano. Las prótesis quedaron realmente bien y recuerdo que fue más o menos fácil y rápido aplicarlas a los actores durante el rodaje. El corazón era de silicona, muy realista. Lo compramos a Gótic, en Barcelona, pero tuve que hacer una réplica exacta en látex para las tomas del interior de la caja en las que se ve como palpita. El truco fue muy sencillo pero creo quedó muy aparente; un tubo con un globo dentro del corazón que salía por un agujero en el suelo de la caja y yo fuera de plano soplando con todas mis fuerzas para que se inflara. 

El giro en la trama supongo que estaba más que planeado, porque no puede estar mejor traído... Era asi tal y como queríais contarlo? 

Si, estaba todo plasmado así casi desde el primer borrador del guión. La verdad es que el resultado final se acerca bastante a lo que queríamos contar. En ese sentido estoy bastante satisfecho. Queríamos crear algunos giros, golpes de efecto, acciones paralelas… Por eso siempre decimos que es como una mini-peli, porque tiene su estructura clásica de comienzo, nudo y desenlace con su correspondiente clímax. 

De hecho, esto es quizás una de las cosas que más nos preocupaba porque no es lo mismo contar algo en un papel que en imágenes. Leyendo el guión de Jorge, era muy fácil entender todo pero claro, una vez que te pones a llevar eso a imágenes y lenguaje cinematrográfico todo es más difícil. Por los sondeos posteriores a la gente que ha visto el cortometraje creo que debemos estar también muy satisfechos con esto puesto que la gran mayoría de la gente entiende perfectamente lo que estábamos contando y como lo estábamos contando, otro mini punto para Jorge jejeje. 

La película tiene claros referentes en lo mejor del género, cual diríais que fue el más importante? 

Pues básicamente yo quería hacer un corto de terror gótico pero ambientado en la actualidad. Si te fijas, la historia reúne muchos elementos propios de la literatura gótica: el amor obsesivo, la muerte, el más allá, la idea del suicidio, magia negra,… Luego la elección del blanco y negro en el tratamiento de la imagen es obvia, nos pareció lo más apropiado, por no mencionar que el blanco y negro es bastante agradecido y disimula multitud de fallos… No sabría decir cuál es el referente más cercano, hay tantos títulos y autores a los que admiro… Yo me senté a escribir tal cual lo que a mí me gustaría ver en una pantalla y esto es el resultado. Luego, aparte del terror y la parte truculenta, hay un elemento romántico que tiene un peso importante en la historia y esa parte también me encanta. Debo estar un poco enfermo… 

Desde luego la literatura gótica fue desde el principio una clarísima referencia, la idea de homenajear a los clásicos del terror nos encantaba y aterraba a la vez (nunca mejor dicho). El blanco y negro creo que le da un feeling interesante al corto y la historia como bien dice Jorge siempre que se refiere a ella es muy gótica. A mí en plan humorístico siempre me gusta definir el género de Presentir como Drama con tintes sobrenaturales porque el fondo de la historia es un drama de cojones (permítanme la palabra pero creo que así queda mas descriptivo). 

Es un claro homenaje al terror clásico, sois fans del género?

Claro, tanto Jesús, como David y yo, somos super freakys. Muy fans del género, los videojuegos, comics, etc… Yo le tengo un especial cariño al cine de serie B americano porque he crecido con él. Admiro mucho a todos esos directores de los ochenta, Carpenter, Gordon, Craven, Raimi, ... 

Habría que añadir aquí también nuestro gusto por el terror clásico de la Universal o la Hammer. 

Qué os parece el estado del cine de género en nuestro país? 

En los últimos años creo que se van haciendo cosas cada vez más interesantes. Me parece que el cine de terror patrio aún tiene que encontrar su propia identidad, sin tratar de emular a otras producciones extranjeras. Además, tenemos mucho folklore, historia y patrimonio por explotar y que no se ha llevado nunca a la gran pantalla. También está la polémica del tema de las subvenciones, que en otros países imagino que no ocurre. Creo que esto se traduce en que hay mucha gente con talento y creatividad en este país pero no se les da la oportunidad de demostrarlo. 

A mí me parece que en cuanto al cine de género en nuestro país no se puede decir que estemos ni en segunda división. Se va avanzando y se van haciendo cosas interesantes pero estamos a años luz de otros países. Yo esto lo achaco a un tema de cultura cinematográfica, aquí el consumidor medio no mama mucho de cine de género, es más, incluso hay un desconocimiento bastante importante de obras cumbres y míticas del género. Estoy generalizando y eso no suele ser bueno, pero creo que en este caso la generalización es lo que mejor responde a esta pregunta. No hay cultura de cine de género y esa falta de interés del gran público hace que se apoye poco y como en España sin financiación pública no hay cine, pues el resultado es el que es. 

Supongo que Presentir va a tener una larga segunda vida, que tal fue el estreno? 

Fue realmente calurosa la acogida cuando estrenamos en la sala Tarambana, en Madrid. Lo proyectamos delante de unas 150 personas y luego hubo un concierto con la banda Gremio, que pone el tema principal del corto. Es realmente el momento más emotivo después de todo el esfuerzo, tiempo y cariño invertidos. Recuerdo que durante la proyección, más que mirar a la pantalla, porque el corto ya me lo tenía muy visto, miraba las reacciones del público y me llenó de satisfacción ver la tensión reflejada en sus rostros durante algunas escenas o escuchar grititos y exclamaciones que llenaban la sala en los momentos de más tensión.

El estreno en Tarambana es otra experiencia única, estábamos todo el equipo, rodeados de familias y amigos. Hubo un concierto de Gremio, un montón de gente y las reacciones buenísimas. La verdad es que Presentir nos ha dado muchas satisfacciones, también se proyectó en un festival de una asociación de cine de Madrid junto a otros tres cortometrajes entre los que estaba La Bruxa de Pedro Solis, ganador del Goya de animación de ese año con ese corto. Creo que si nos han seleccionado para proyectar junto a cortometrajes de tanta calidad es que no lo habremos hecho muy mal. 

Pensáis moverla por más circuitos? 

Guardo un recuerdo muy grato de Presentir y aprendimos muchísimo, pero también llegamos a quemarnos un poco por todo el tiempo que hubo que dedicarle y las numerosas complicaciones que fueron surgiendo. Como me dijo Jesús una vez: siempre va a haber cosas que sean susceptibles de mejora, pero en algún momento hay que saber darlo por terminado y pasar a otra cosa… Prefiero invertir tiempo y energía en algún otro proyecto futuro, aunque, indudablemente todo lo que aprendimos con Presentir quedará plasmado en dicho proyecto. 

Presentir fue lo que fue, una gran experiencia, la mejor que podía ser en ese momento pero creo que es el momento de hacer otras cosas y además como siempre digo, creo que es el momento de que Presentir sirva para que esas otras cosas sean mejores. En la vida siempre hay que ir aprendiendo y con Presentir nos sacamos casi un doctorado, pasamos de no tener mucha idea a saber un poquito, con el siguiente deberíamos saber algo más y el tercero…… ¿hay Oscar al mejor cortometraje? Jejejeje. 

Creo que tenéis otro proyectazo entre manos... Podéis avanzarnos algo, es también de género? 

Tenemos un par de ideas en mente y una de ellas con guión ya escrito. Se trata de algo totalmente distinto a Presentir, transcurre todo en exteriores, en bosques y carreteras y aunque es de terror también, contiene mucho humor negro y gore y también algo de mensaje ecológico, jeje 

Proyectos existen y sé que los realizaremos, ¿Cuándo? En cuanto tenga un poco de tiempo y pueda liar a Jorge. 

En nidodecuervos nos volcamos mucho con los proyectos amateurs de gente que ama el terror como nosotros, pero francamente vuestra cinta tiene un aspecto absolutamente profesional, depurando dos cosillas... Vuestra próxima película tendrá la misma (estupenda ) factura? 

¡Ojalá! Tampoco me motivaría especialmente hacer algo que estuviera muy por debajo de lo anterior. Si nos ponemos en serio con otro proyecto la idea sería siempre tratar de mejorar y sobre todo en aquellos aspectos en los que Presentir supuso un aprendizaje para nosotros. 

Si lo siguiente que realicemos es inferior a Presentir diría muy poco de nosotros, antes de hacer algo peor prefiero no hacerlo. Además también me gustaría algo diferente, otro concepto. Eso sí, para nosotros es fundamental y requisito sine qua non que cumpla unos requisitos de calidad sin los cuales no lo haríamos.

Habladnos un poco de la fabulosa banda sonora...

Pues les dimos libertad total a Néstor y Arminda. Creo que es muy meritorio porque ellos no son aficionados al cine de terror. Tan sólo les pasé un par de bandas sonoras para que tuvieran alguna referencia. Recuerdo que les dejé un CD de Philip Glass con la nueva banda sonora que compuso para el reestreno del Drácula de la Universal. Ellos son pareja y viven en Las Palmas. Compusieron toda la música desde su casa… Recuerdo que hablábamos a menudo por teléfono y me interpretaban fragmentos para que les diera el visto bueno. Pensé en ellos porque son grandes profesionales y mejores personas y además me parecía muy apropiado emplear piano y violín en un corto de corte gótico. Ambos instrumentos pueden resultar muy románticos pero también oscuros, lánguidos y siniestros, al mismo tiempo. 

Todo el que vea el corto debería pedirnos que les pasaramos el guión musical que nos enviaron Nestor y Arminda para comprender el trabajazo que les llevo y el mérito que tiene. La música está compuesta segundo a segundo por y para el corto como se puede ver en el resultado final. 

La preciosa edición en dvd, curradisima, como la web de la cinta, se lanzó a la venta? 

La verdad que no y es una pena porque quedó realmente bien. Hicimos pocas copias, no disponíamos de presupuesto para más. La autoría de DVD quedó muy profesional, la hizo Alain Ancel de Infinitum y la carátula Alex, un amiguete de Barcelona. 

Tampoco sé si hubiéramos venido alguna en caso de haberla lanzado jeje. En cualquier caso, si alguien estuviera interesado siempre podríamos hacerle llegar una copia del DVD pero ya sin serigrafía, que el presupuesto no dio para más. Realmente las únicas copias realizadas fueron un regalo de agradecimiento a toda la gente que había participado de una u otra manera. Era nuestra humilde y modesta forma de agradecérselo ya que nunca pudimos invitarles a la ceremonia para recoger un Goya jejeje. 

Supongo que animáis ambos a la gente con proyectos a que se lance a la realización, pero con el panorama de las ridículas subvenciones de cultura, qué consejo nos daríais? 

Ahora parece que lo del crowdfunding está funcionando, pero claro, me imagino que eso sólo resulta cuando hay una muestra previa de lo que puedes ofrecer… Creo que echándole ganas e imaginación se puede suplir un poco la falta de medios técnicos con creatividad. Ante todo ganas y tratar de hacer las cosas con cariño siempre, rodearse de personas afines y echar muchas horas… 

Con trabajo, ganas e imaginación y algo de dinero, eso sí, puedes rodar algo muy digno siempre y cuando seas consciente de tus limitaciones y en que liga juegas. No puedes intentar realizar un Avatar 2 sin un presupuesto enorme, pero hay películas realizadas con cuatro duros que son auténticas obras maestras, el consejo es intentadlo, la experiencia no os la va a quitar nunca nadie y sobre todo, haced lo que queráis y daros el capricho que nosotros nos dimos.

Para terminar y antes de daros las gracias por vuestra generosidad y la enhorabuena por vuestro talento, recomendadnos una peli reciente de género para nuestros cuervos.... 

Muchas gracias a vosotros! Yo recomendaría Insidious, aunque ya ha llegado a ser muy popular y más con el estreno de la segunda parte. Es de lo que más me ha gustado y asustado en los últimos años y además me parece un estupendo homenaje al cine de terror americano de finales/comienzos de los ochenta. 

Yo voy a ser muy muy freak en mi recomendación. Como fan del cine ochentero debo recomendar la maldición de Chucky, una película de la que no me esperaba nada y me sorprendió mucho. 

Pues nada, a la vista queda que dos talentos como Jorge y Jesús acabarán dándonos alguna que otra sorpresita en el futuro. Soy de los pocos que ha leído ya el guión de su próximo proyecto y se me cae, literalmente la baba. Jóvenes, sobradamente preparados en la nueva cantera del cine español de género. No podemos nada más que agradecerles su tiempo, su amabilidad y sus ganas y desearles la mejor suerte del mundo. 

Un abrazo, inmenso.



domingo, 10 de agosto de 2014

Crítica: Guardianes de la Galaxia

Fue en la Comic-Con de hace dos años, cuando Marvel anunció por primera vez su nuevo proyecto: Guardianes de la Galaxia, inmediatamente después de revelar los títulos para la peli del Capitán America: “The Winter Soldier” y la de Thor: “The Dark World”, y la reacción inicial de los presentes no pudo ser más confusa. ¿Qué demonios era Guardianes de la Galaxia, de dónde salían?... Pocos estaban familiarizados con el cómic-material de origen, y la idea de una peli con un mapache agresivo pistola en mano, y un hombre-árbol pintaba poco menos que ridículo. 

Ya en la siguiente Comic-Con 2013, James Gunn apareció serio y circunspecto en el escenario del Hall H para mostrar al público el primer trailer de la película, bastante bien recibido por la audiencia pese a tratarse de una extraña mezcla de ciencia ficción bizarra y aventuras que ha acabado siendo no sólo una fabulosa adaptación de un cómic sino una película excepcionalmente bien hecha. 

James Gunn, nuevo niño mimado de Hollywood sobre todo tras la serie “PG Porn” y la estupenda “Super”, comandado por los de la Marvel en una ingeniosa e inteligente apuesta de marketing han logrado crear un universo nuevo plagado de color y estética entre lo “camp” y lo “vintage”, con un guión (del propio Gunn y Nicole Perlman, basado en el cómic de Dan Abnett y Andy Lanning) que sale de lo común gracias al predominio de la comedia sobre la acción, perfectamente bien planeado por donde campan a sus anchas unas criaturas asombrosas y unos personajes fascinantes, absolutamente convincentes, con los que uno puede identificarse, inmersos en una aventura espacial como las de antes, con un regusto a clásico kitsch de SciFi totalmente abrumador, en el que el componente cómico y humorístico, absolutamente desmadrado, pop y muy ingenioso juega una baza más que decisiva en una película mucho más inteligente de lo que puede llegar a parecer. 

Marvel por fín ha dado con la piedra filosofal y logra su primera cinta de culto, imperdible, imprescindible, que recurre a la diversión más ágil y acelerada posible inspirándose más en el mundo de los cartoons que en los propios cómics, logrando un mix prácticamente perfecto de ciencia ficción, humor, aventura y en la que unos efectos especiales deliciosos acaban de redondear esa “casi” perfección, lograda en gran parte al recurrir a un grupo de nuevos súper héroes que nada tienen que ver con personajes agotados o sobreexplotados en anteriores producciones. El reparto, intachable, es propio de una de las Grandes, a destacar los seres animados con las voces de Cooper y Diesel, extrañamente los más “humanos” de todos.

Guardianes de la Galaxia se ha convertido en una arriesgadísima apuesta por hacer un cine diferente de ciencia ficción, un cine cuyas normas casi estaban demodé y realmente en la apuesta el resultado podría haber sido terrible. Dejar el peso del proyecto sobre los hombros de unos protagonistas cuando menos “extraños” (el elocuente Drax, interpretado por el pésimo actor Dave Batista, Rocket Racoon, un mapache con tinte algo infantil y sarcástico que habla y dispara balas casi a la misma velocidad con la voz de Bradley Cooper, Groot, un palo humanoide que sólo repita una y otra vez “Soy Groot” sin llegar a ser cargante y expresando muchas más emociones que algunas interpretaciones que han rozado los Oscars) pero el buen hacer de Gunn convierte la pequeña premisa en toda una space opera que nos retrotrae a los mejores tiempos de la ciencia ficción de antaño, con una fotografía realmente espectacular, un fabuloso sentido del ritmo cinematográfico y precisamente las interpretaciones de sus no siempre destacables actores, en esta ocasión, en puro estado de gracia. Zoe Saldana, Dave Batista, Bradley Cooper, Vin Disel y Chris Pratt funcionan a la perfección como un equipo en pantalla, dirigidos con brío magnífico por Gunn, explotando comedia y humor, emoción y aventura a partes iguales. 

La ironía omnipresente y la perceptible sensación de no tomarse demasiado en serio a sí misma hacen que la cinta no sólo resulte un estupendo western espacial sino como una originalísima y más que entretenida parodia del género de pelis de “superhéroes y villanos”. La cinta, fascinante, tiene una personalidad propia y muy bien marcada que la diferencia de otras ofertas de Marvel, si bien hay varios elementos reconocibles para recordar al público que estamos en el mismo universo de ficción. La película mantiene un ritmo impresionantemente bien equilibrado, evitando el problema del exceso de pedantería y grandilocuencia de la que muchas películas de superhéroes son víctimas. 

En un principio todo se plantea a modo cliché, pero pronto el espectador descubre que tras esos clichés iniciales se esconde un verdadero pozo de emociones, sentimientos, sensaciones de trasfondo y sobre todo, buen rollo, en el que sin más remedio se cae atrapado, y del que se sale con la sensación de haber recibido un soplo inmenso de aire fresco que ha debido sorprender a la propia Marvel. 

Y es que se podría esperar que un estudio de cine en lo más alto de su momento económico (con tres de sus grandes en pleno auge: Iron Man, Thor y el Capitán América) y movido por el afán recaudatorio que todo lo empaña, apostara a lo seguro en lugar de arremeter con un nuevo proyecto que va en direcciones nuevas y, en realidad, bastante extrañas. Ciertamente, es difícil imaginar que cualquier otro estudio hubiese dado luz verde a los Guardianes de la Galaxia, basado en un título poco conocido para cualquiera que no sea un Friky absoluto aficionado a los cómics y acaba siendo como digo, una deliciosa diversión, burbujeante,que nos narra los devenires de su variopinto grupo de anti-héroes. Pero es que Guardianes de la Galaxia es en definitiva un órdago a la grande lanzada por la Marvel frente a la DC que aún anda embarullada con sus futuros lanzamientos de Aquaman, Flash Gordon y Wonder Woman. 

La Marvel está manteniendo un criterio de bastante calidad en prácticamente cada película que lanza, sagas archiconocidas, con legiones de seguidores que garantizan que el riesgo sea mínimo a la hora de abordar una peli. Con Guardianes de la Galaxia parece ocurrir al revés, parece querer atraer a un público que no compra cómics y arrastrarlos de inmediato a universos nuevos con guiones de mucha calidad en el género. 

La historia es tal que así: en 1988 Peter Quill (Pratt), que se hace llamar “Lord Star”, es un humano que fue secuestrado de la Tierra cuando era niño y que ha crecido convirtiéndose 26 años después en un cazarrecompensas y ladrón intergaláctico que no tiene ni la más remota idea del follón en que se está metiendo cuando roba un orbe misterioso y se convierte en el improbable súper héroe de la peli. Ronan (Pace) - un radical Kree genocida – estará dispuesto a hacer casi cualquier cosa para conseguirlo, para lo cual envía a una asesina extraterrestre, la letal y conflictiva Gamora (Saldana) tras él. Atrapado en una prisión intergaláctica, Peter y Gamora llegan a una difícil alianza con otros tres inadaptados: un cohete inteligente, una sarcástica criatura con forma de mapache (con la voz de Cooper), un árbol gigante con el nombre de Groot (Diesel ), y la vengativa mentalidad de Drax el Destructor (Batista). La película también añade un nuevo elenco de villanos adorables a la lista de personajes, así como una notable sarta de cameos y secundarios absolutamente deliciosa. 

¿Qué sucedería si la supervivencia de absolutamente todo el sistema intergaláctico dependiera del buen hacer de cinco extraños inadaptados? Esa es precisamente la premisa de la peli. 

Nos encontramos pues con una serie de personajes desconocidos para el gran público, que nunca hemos visto antes, en un universo de nuevos planetas llenos de vida, de colores brillantes y de efectos cuidados al detalle, y unas lineas argumentales que confluyen, a ratos torpemente pero que acaban confluyendo convenientemente resueltas en la trama tras resultar por momentos inquietantes y a pesar de su guión, en ocasiones difícil, muy difícil de manejar, el resultado se puede considerar un triunfo rotundo debido a que la pandilla protagonista de perdedores desaliñados nos llega a tocar la fibra. 

Exprimiendo al máximo las obvias posibilidades cómicas del material de origen, Guardianes de la galaxia, se convierte, casi de tapadillo, en la película comercial más memorable, distintiva y original de un verano sorprendentemente cargado de buenísimos films de ciencia ficción-X Men, Los simios, Transcendence, Al filo del Mañana-con un guión inteligentísimo, brillante, una escenografía y efectos visuales distintos y absolutamente destacables, y unos personajes paradójicamente humanos y muy bien interpretados. 

Para alegría de todos, Gunn nunca pierde de vista el lado espinoso, ruín y egoísta de sus detallados personajes. Les otorga un montón de momentos ricos, emocionales (Peter y Gamora unidos por la pérdida de sus padres, o la capacidad de Rocket para leer toda una gama de significados profundos a través de un extremadamente limitado vocabulario de Groot ) sin llegar a permitir jamás que la película caiga en territorio y terrenos peligrosamente sentimentales y ñoños. 

De hecho, Gunn dirige con brío en lo que parece ser un procedimiento de liquidación de golpes de efecto y comedia con una dosis saludable y abundante de humor convirtiendo la cinta en un viaje embriagador de aventura en tono humorístico en el que uno se deleita con extrañas ráfagas de comedia subversiva. 

Antes incluso de que la película se estrenara, Marvel, con potentísimos films entre manos (las nada desdeñables The Avengers y Captain America: The Winter Soldier) ya anunció que tendría su correspondiente secuela en 2017. Era obvio y evidente. La película es inteligente, divertida (incluso hilarante) y bastante potente por sus propios méritos. Pero, aún más importante, es una apuesta arriesgada que ha supuesto una alta compensación económica para Marvel. 

Es en definitiva una cinta que divierte, entretiene y nos deja absortos, y puesto que ha sido creada para tal fin podemos afirmar seguros que es todo un acierto y un éxito rotundo. Con buenos buenísimos y malos como los de antes, una banda sonora ochentera magnífica (excelente trabajo de Tyler Bates) y una fotografía (de Ben Davis) poco menos que espectacular,el conjunto es tan redondo que ensamblado funciona a la perfeccción y se convierte si no en “el” si en “uno de los” blockbusters de este 2014. 

Y como era de esperar (al igual que en todos los films de la Marvel) tenemos una (desconcertantísima) sorpresa al final de los créditos, con un pato personaje que no entendemos muy bien qué pinta aquí, pero que seguro que nos aclararán en sucesivas entregas. 

La cinta ha llegado a ser considerada “La Star Wars de nuestra generación”, lo que me parece una exageración desmesurada, si bien es cierto que tiene algunas (bastantes) referencias directas ( y no tanto) al clásicazo. Lord Star guarda gran parecido con Han Solo, Groot con Chewbacca y la relación entre el mapache Rocket y Groot, recuerda casi demasiado a la que tenían Han Solo y su coleguita Chewbacca (aventurero con guardaespaldas que profería alaridos que sólo Han entendía). La batalla final de la peli es todo un homenaje, con naves tipo Star Wars, monitores holograma y luces absolutamente aclaratorias. 

Lo mejor: La escena inicial ciertamente me sorprendió, tiene un tono bastante oscuro que me hizo rememorar el anterior trabajo del director, la también recomendable "Super". Sin embargo, el mayor fuerte de la película reside en la gran química entre sus 5 protagonistas,incluso los miembros "animados" (estupendo CGI) del equipo. 

Lo peor: Es un gran espectáculo visual pero quizás funciona mejor como comedia que como cinta de acción y aunque la premisa pueda parecer original, no deja de ser bastante convencional y hasta algo predecible.

Aún así es una gozada, totalmente recomendable. Uno de los grandes lujos de este estupendo, cinematográficamente hablando, verano de 2014, además de la película más original y deliciosa que Marvel ha creado hasta la fecha. Thor el terco, Iron Man el arrogante y el rígido Capitán América encuentran en esta pandilla junto a Los Vengadores sus mayores enemigos en la taquilla, sin duda...


viernes, 8 de agosto de 2014

Crítica: Una Vela Para el Diablo

Hacía mucho que Romasanta no se acercaba de nuevo al cine de terror español, y sobre todo, al que se cultivó en una época prolífica en este tipo de género, como fueron los años 70. Esta vez recupero una de las mejores películas de terror de aquella época, a través de la dirección del siempre solvente Eugenio Martín.

Si el director ya había paladeado el género con una muy buena muestra de ciencia ficción añeja con “Pánico en el Transiberiano” ( Horror Express, 1972), film de regusto de serie B, con presupuesto y ecos a la estilizada puesta en escena de la Hammer y rasgos de “El enigma...de otro mundo” (The thing from another world; C.Niby, 1951). Después de tal experiencia, y viendo que el género de terror lo dirigía con soltura, se lanzó con otro proyecto un poco más personal, “Una vela para el diablo” (1973).

El proyecto nace de las experiencias que vivió Eugenio Martín en la escuela religiosa que estudió, llevando a cabo un film en el que se expuso sin ningún pudor todos aquellos elementos que vertebraban la España de los 60 -y que algunos persisten, por desgracia-, y su lenta apertura hacia el turismo. En este caso, Martín ofrece un film de terror inusual para la época y que se evade de toda la moda de hombres lobo, dráculas, momias y templarios que invadían todas las salas de cine españolas, y propiciaba una película situada en un pueblo típico español de los años60, en pleno momento de apogeo turístico , en el que dos hermanas dirigen un hostal en el que acuden todo tipo de extranjeros; el film se apoyaba en una interesante puesta en escena, con un sol asfixiante como protagonista, vasijas de vino, religión, superstición y muerte.

Pero si la premisa ya era novedosa para la época, el elenco actoral no podía ser más acertado y atractivo, ya que para el papel de las dos hermanas se contrató a Aurora Bautista y Esperanza Roy, dos actrices que demostraron saber trabajar en géneros ajenos a los que ellas estaban acostumbradas y demostrando una química envidiable. Aurora Bautista encarna a Marta la hermana de carácter fuerte y fuertemente religiosa mientras que Esperanza Roy, interpretaba a la frágil y moderada Verónica que buscaba ser diferente a su hermana, pero que se veía atormentada por la fuerte influencia que ejercía Marta sobre ella.

El director español, sabe ofrecer un film que muestra lo más castizo de nuestro país en contraste de unos turistas que ofrecen una visión más abierta sobre las relaciones sexuales, las creencias, el matrimonio y la vestimenta; ese contraste es el detonante de la película, ya que la acción se acontece en la azotea del hostal, mientras que una “guiri” está tomando el sol en topless, desatando la testosterona de varios jóvenes que desde otra azotea miraban a la chica lascivamente. Mientras Marta y Verónica suben a ver lo que ocurre, y se encuentran un panorama que no les gusta nada, Marta se enoja de forma exagerada con la extranjera, diciendo que es una indecente y mientras que baja por la escalera y forcejean, ésta cae y se estampa contra un vitral y muere en el acto. Verónica se queda atónita por lo ocurrido, mientras que Marta ve como mensaje divino la muerte de la joven por su indecencia y blasfemia. A consecuencia de tal crimen, las dos hermanas deciden esconder el cadáver y seguir con sus vidas.

En todo este transcurso, Eugenio Martín ofrece una visión de España totalmente pueril y retrasada, que siempre se muestra en total contraste con la vitalidad y la frescura de lo que llega debido al turismo. En este caso, el personaje de Aurora Bautista (excelente interpretación) muestra la cara más dominante, supersticiosa y tremendamente religiosa de nuestra patria, mientras que el personaje de Esperanza Roy, muestra una carácter de cambio, más abierto y menos encorsetado que el de su hermana, ejemplificando esa parte de España que estaba preparada para un cambio. Pero debido a la intensa influencia que ejercía Marta sobre Verónica, ésta última se ve forzada -o no- a seguir a su hermana en una cruzada en contra de la indecencia, un fanatismo llevado al extremo, cuyos asesinatos son protegidos por las fuerzas divinas que las conducen a obrar bien y así limpiar los pecados que trae el turismo.

Pero todo se complica cuando la hermana de la chica asesinada en la azotea, viene a buscara a su hermana ya que no sabe nada de ésta. Las dos hermanas mienten, y dicen que la chica se marchó pero ésta no cree a esas dos propietarias y decide hospedarse en su hostal, y así averiguar que es lo que ocurre; mientras el hostal recibe más extranjeras que poco a poco irán muriendo. Lo interesante del film, no sólo es el contraste que encontramos entre turista y pueblerino, sino que además que la acción sucede en plena luz del día, lo que desvirtúa un poco lo que entendemos por cine de género de terror; en este sentido, se propone un film con casas pintadas con cal viva y muchos tonos blancos, con grandes dosis de rayos de sol penetrando por los interiores de una casa que podría ser del sur de España o de la propia meseta. Todos estos aspectos recuerdan en muchas ocasiones a obras más logradas y perfectas como son “La Matanza de Texas” (The Texas Chainsaw Massacre; T.Hooper, 1974), al mostrar lo rural como hostil y peligroso, del que pueden surgir monstruos y asesinos, como también ocurre en la posterior “Quién puede matar a un niño?” (N.I.Serrador, 1975) que muestra como unos niños asesinos matan a la población adulta de una isla a plena luz del día.

En general, la película tiene muchos aciertos y con un presupuesto más holgado hubiera conseguido una fotografía más buena y la falta de una buena banda sonora, hacen que en muchas ocasiones la música pop surja de forma poco consonante en un film que no la necesita. Pero sobre todo, la película sabe dosificar con astucia los asesinatos a extranjeras, que al principio son fruto de un accidente y poco a poco son asesinadas de varias maneras en un hostal que lo recicla todo. En una ocasión una de las turistas es acuchillada por venir borracha y tener una cita con un hombre; otra de ellas, es una madre soltera con un hijo que al final es golpeada por las dos hermanas por ser una blasfemia al matrimonio -ésta última guardada en una gran vasija de vino para que de más sabor-. Los asesinatos se suceden entre pecados, fanatismo religioso, vino tinto y cabezas de cordero, dando al film un extraño tono sombrío y castizo que aterroriza al espectador; aunque sin lugar a dudas, la gran escena se la marca Aurora Bautista en una escena colosal en la que detrás de unos zarzales descubre a un grupo de chicos de diversas edades bañándose en un río; es tan ardiente el deseo sexual y su represión, que Marta decide autoflajelarse con las zarzas pasándoselas por las zonas más erógenas de su ser (!¡), placer y castigo se unen en una escena surrealista y muy peliaguda para su tiempo -fue cortada de la versión española of course-, mostrando hasta que punto la religión era capaz de despertar los más bajos instintos del ser humano.

Sin lugar a dudas, Eugenio Martín construyó un film diferente en una piel de toro poco acostumbrada a criticarse a sí misma -con el permiso de “La Casa sin fronteras” de Pedro Olea- y que mostraba todo aquello que suponía ser España. Es tan interesante la plasmación de todos los tics de una época, que vale la pena como exponente de un contexto histórico vivido en el que dos hermanas asesinas llegan a ser dos malvadas brujas al servicio del señor. Resulta tan interesante ciertas partes de la puesta en escena y de las actuaciones de las hermanas, que ciertos momentos más pobres son perdonados, y el guión no tiene desprecio a la hora de poner en boca de Marta todo un ideal religioso que fomenta el desprecio al avance y la evolución, remarcando que en España la religión podría crear monstruos de la misma manera que sucedía en el excelente film de Fernando Fernán Gómez , “El extraño viaje” (1964), otra buena muestra de lo que muchos entendidos han calificado del SPANISH GOTHIC, y dos muestras de ello son estos dos buenos films. Por una vez, dejen los recelos sobre el cine español e indaguen un film extraño que intentó desmarcarse de las modas del terror español de la época y que para mi gusto, supo pasar con muy buena nota. 


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